Tres cineastas colombianos reflexionan sobre lo que significa filmar desde el desarraigo. Migrar, crear y mirar: tres verbos que atraviesan toda una generación de autores.
¿Qué se filma cuando se cruzan las propias fronteras? Esa fue la pregunta que atravesó la charla “Migrar y crear”, donde los realizadores colombianos Jerónimo Atehortúa, Juan Sebastián Quebrada y Emanuel Rojas conversaron por más de una hora en el marco del BIFF BANG — los talleres académicos del Bogotá International Film Festival.
Para Emanuel Rojas (que en esta edición del BIFF estrena su película Paristopia), migrar está ligado con el territorio. “Es descubrir y re-descubrir. Cuando te mueves, te ves obligado a crear”. Rojas, que vivió por varios años en Francia, ha sido director de fotografía de tres largometrajes, y participó en el departamento de cámara de la aclamada El abrazo de la serpiente, de Ciro Guerra.
Jerónimo Atehortúa (Pirotecnia, Mudos testigos) en cambio, subraya que el cine es, ante todo, un asunto de distancias. Para el cineasta, el conflicto de migrar es el dilema de sentirse desarraigado: no pertenecer a ningún sitio, una suerte de nómada.
Juan Sebastián Quebrada, director de El otro hijo y Días extraños coincide. “Uno trata de ser de allá pero no es de allá. Y trata de volver, pero tampoco es de acá. Volver a o no volver siempre es la pregunta del migrante”.
“La única nación a la que uno pertenece es la de sus afectos” — Marta Hincapié
Después de todo, tomar una cámara es reinventar algo. Y por eso migrar es crear: como lo afirma Emanuel Rojas, se trata de crear un territorio global que vaya más allá de las fronteras.
El cine y la herida del migrante
En muchas ocasiones, los países comparten algo en común. Más allá de costumbres, comidas típicas o dialectos, hay algo más profundo aún: los traumas colectivos. El séptimo arte es testigo y, a la vez, testimonio de todos ellos.
Cuando Jerónimo Atehortúa estudiaba cine en Sarajevo, cuenta que notaba cómo sus compañeros europeos no tenían problema en grabar películas sobre un país ajeno. Sin embargo, para el realizador colombiano, esa práctica roza el extractivismo cultural. A Juan Sebastián Quebrada le pasó lo mismo, pero viviendo en Argentina. “Los europeos ven algo que les llama la atención y lo filman sin ninguna vergüenza. Uno como colombiano no hace eso (…) yo no me atreví a grabar a ningún argentino”, recuerda.
En palabras de Emanuel Rojas, la cámara es una frontera móvil que aún hoy sigue generando relaciones de poder. Por eso, explica, los europeos vienen a otros países y graban lo que desean, como si los ciudadanos de otros países estuvieran allí para ser filmados.
La cámara también se vuelve discursiva al momento de filmar lo que los realizadores llaman la herida migratoria: las analogías entre las armas y el cine, explica Atehortúa, son evidentes: en inglés, se habla de términos como ‘shoot’ (grabar), ‘a shooting’ (un rodaje), e incluso los europeos andan con cámaras llamadas point and shoot.
La analogía entre disparar un arma y accionar una cámara no es casual ni inocente. Y mucho menos en países latinoamericanos, donde las pistolas y la violencia han sido parte histórica de la realidad social. Tal vez por eso hay más cuidado al acercarse a otras culturas desde el cine, reflexionan los realizadores. En países como Colombia hay conciencia de lo que significa disparar — incluso una cámara de cine.
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